Julija Zaharijevic: vuoti di realtà

Un elemento in particolare caratterizza i dipinti, le fotografie e le sculture di Julija Zaharijević: la forma rotonda, che a volte appare positivamente come un rigonfiamento o un’elevazione, a volte negativamente come un buco, una fessura o una rientranza. Che si tratti dei dipinti Bellies (2020), delle sculture Cabbage (2021), del modello trompe-l’œil Goddess (2022) o degli oggetti pittorici Poison wall (2023), un anello, un cerchio o una sfera puntano sempre lo sguardo dello spettatore, in modo tale che questi appaia trascinato in una sorta di vuoto. “Volevo che la gente fissasse lo spazio, l’abisso, se così si può dire”, spiega Zaharijević a proposito delle sue repliche realistiche di cavoli, esposte per la prima volta nel 2021 in occasione della mostra personale “Oh no! The View” alla Galleria Permanente Georg Kargl di Vienna. Le foglie accartocciate e mangiucchiate dalle lumache, che sono scansioni di vere foglie di cavolo tagliate a forma di foglia e bucherellate, rivestono l’interno della testa, realizzata con giornali stropicciati e seta stampata. “Mi interessava capire fino a che punto il cavolo, alimento economico e facile da coltivare, da sempre considerato un cibo povero, potesse rappresentare qualcos’altro, qualcosa di simbolicamente intenso. Impiego diversi materiali tra cui la seta e dipingo a mano il retro delle foglie con colori scintillanti, inserendo elementi di ‘alto valore’ nel cavolo, in modo da porre in primo piano la questione di come il valore si crea e si comprende. Il ruolo del lavoro manuale e della sua presenza nella creazione del valore è un altro aspetto che mi interessa”.

Anche in opere scultoree come queste, Zaharijević si interessa alla produzione di immagini che derivano più dalla pittura che dalla scultura. Elaborando materiali come la carta, la tela o il rayon con mezzi pittorici come l’inchiostro, l’acrilico o la pittura a olio, l’artista produce uno spazio pittorico non solo realistico, ma spesso anche gioco di tecniche illusionistiche. Ad esempio, quando trasferisce sulla tela il motivo a rombi delle sedute Chesterfield inglesi, spesso presenti in contesti sociali borghesi come i club di gentlemen, i bar degli hotel o gli studi legali. Non è solo l’applicazione della pittura a variare: a volte imita realisticamente la lucentezza e la struttura rugosa della pelle marrone (Poison (Brown), 2023), a volte produce un dipinto astratto autonomo (Chesterfield, 2023). Zaharijević applica anche i bottoni capitonné in tela in modo tale che il motivo a rombi appaia raddoppiato (quattro rombi che insieme formano un unico grande rombo) o disturbato nella sua regolarità che ricorda cicatrici e ferite. Attraverso appropriazioni pittorico-scultoree come queste, la maestosa seduta da salotto subisce uno sbalzo simbolico: da significante oggetto di lusso un tempo feticizzato, che è anche un oggetto di utilità, all’appropriazione artistica di un mestiere associato a questo oggetto, per cui l’oggetto d’arte come merce è, ovviamente, un feticcio del suo stesso genere.

Oltre a questi gesti valoriali che si avvalgono dei mezzi della pittura e della scultura, Zaharijević ricorre spesso a processi di stampa e combina le immagini risultanti con vari oggetti, in modo che l’impressione della tridimensionalità simulata nell’immagine corrisponda a una reale espansione nello spazio. Questo doppio illusionismo, che ricorda le videoinstallazioni immersive di Tony Oursler, è particolarmente evidente nell’opera Goddess (2022). L’artista ha stampato una foto della cupola trompe-l’œil del XVIII secolo della Chiesa dei Gesuiti di Vienna su un tessuto di seta artificiale steso su una semisfera di polistirolo di un metro e mezzo di diametro. L’illusione della cupola reale del dipinto diventa una reale cupola a forma di emisfero, mentre il trompe-l’œil di Zaharijević, convesso e quindi negativamente allungato rispetto al modello della cupola, ha una prospettiva che va dal basso verso l’alto. L’opera, esposta nel 2022 in una versione cromaticamente coordinata con il dipinto della chiesa, presente alla mostra personale di Zaharijević “Modern Painting” presso lo spazio artistico berlinese Bbberlin, è stata rimodellata dall’artista nel 2024 in una versione leggermente più piccola, intitolata Disillusioned, una copia. Il motivo è ora nei toni del blu e stampato in piena saturazione solo in alcuni punti, il che è dovuto al fatto che l’immagine veniva utilizzata capovolta. Paragonabile alla pittura sbiadita dei vasi cinesi nel corso del tempo, la stampa ha una qualità autoriflettente, quasi una copia disillusa di un’illusione pittorica.

La mise en abyme è tipica dell’uso che Zaharijević fa degli schemi pittorici, con i quali intende affrontare alcune aspettative associate alla pittura in termini di rapporto con la realtà ad essa precedente. “Sono stata educata a disegnare in modo realistico, quasi fotorealistico”, afferma Zaharijević, che ha ricevuto un’educazione artistica strettamente accademica a Belgrado prima di studiare belle arti a Parigi e a Vienna. “Ho sempre voluto che tutto ciò che disegnavo fosse esattamente come nella realtà”. Come ogni forma di realismo, tuttavia, il suo esame artistico delle cose che la circondano e che lei raffigura in vari media è un’astrazione, un’operazione di generalizzazione. Modern Painting (2022), una serie di scansioni di composizioni astratte di colori anch’esse esposte a Bbberlin, dimostra che queste cose includono riferimenti storici dell’arte che hanno come soggetto un certo ideale occidentale di bellezza, così come le invenzioni tecnologiche del XX secolo. Riferendosi a opere canoniche della storia della pittura, come l’Olympia di Manet o i Nudi di Lucian Freud, da un lato, e ai loghi di compagnie aeree come Lufthansa o EasyJet, dall’altro, Zaharijević ha assemblato strisce di tessuto di colori diversi, che riprendono i colori dominanti in questi dipinti e nelle immagini aziendali, per produrre un collage. La natura seriale e allo stesso tempo autoriflessiva di queste stampe fotografiche non colloca tanto la singola immagine in prospettiva, bensì ne inquadra le condizioni di origine. Si tratta, in altre parole, di una replica postmoderna della tradizione pittorica modernista all’interfaccia tra tecnologia e società, paragonabile al campionamento di immagini con il contagocce in Photoshop.

Il livello di astrazione è ancora più marcato in Tamara’s Sunglasses Case, una serie di scansioni e stampe che l’artista ha realizzato per la mostra “Structure” 2023 presso la sua galleria Eugster || Belgrado, concepita insieme a Tamara Grčić e che rappresenta una continuazione della serie Modern Painting. Le cornici nere che Zaharijević ha scelto per le sue scansioni si distinguono appena dai quadri che circondano. Anch’esse sono immerse in un nero profondo, con un oggetto indefinibile a prima vista, di cui le scansioni mostrano diverse visioni, che si stagliano sullo sfondo in nero opaco e verde brillante. Le scansioni, la cui piattezza monocromatica ricorda fortemente l’astrazione Neo-Geo e gli oggetti fotocopiati di Pati Hill, ricompaiono in mostra come stampe su rayon, che esaltano ulteriormente l’effetto di ripetizione della serie. L’oggetto mostrato nelle immagini è una custodia per occhiali da sole che Grčić ha regalato a Zaharijević. La custodia, che in genere viene consegnata insieme agli occhiali da sole come complemento protettivo, viene qui posta in primo piano, rivelandosi il vero e proprio tesoro. Il peculiare realismo di Zaharijević si fa ancora più evidente in quest’opera, che stilizza la cornice protettiva come struttura formatrice di realtà, per riprendere il titolo della mostra. “Ciò che abbiamo deciso è diventato realtà. Ma potrebbe apparire completamente diverso. La realtà è il prodotto di qualcosa di altamente artificiale”, commenta Zaharijević a proposito del suo interesse per quelle cose che per molti di noi sono diventate una seconda natura.

Anche il suo ultimo lavoro può essere interpretato nei termini di questi processi di marcatura del non marcato, della presenza dell’assente: Unplayable (BPA// Raum) (2024), che ha recentemente presentato come parte di una mostra collettiva nello spazio espositivo del programma per artisti BPA// Berlin, un’organizzazione guidata da artisti, fondata nel 2016 da Angela Bulloch, Simon Denny e Willem de Rooij, a cui Zaharijević partecipa attualmente. Per questo ha trasformato oggetti di utilità che appartengono a BPA// Raum (una scala, una scatola di imballaggio per tubi fluorescenti e un’asta telescopica) in opere d’arte rivestendoli di velluto adesivo, materiale con associazioni storiche alla nobiltà e al lusso. Insieme, i tre oggetti avvolti formano una scultura, con la scatola da imballaggio posta verticalmente sulla scala che sembra un braccio teso in aria e l’asta telescopica posta sul pavimento come un’estensione della scala simile a un piede. Come i classici del surrealismo, ad esempio la tazza ricoperta di pelliccia di Meret Oppenheim o la macchina da cucire di Man Ray avvolta in una coperta e legata con una corda, Unplayable (BPA// Raum) sembra proporre un enigma. Anche perché la pellicola di velluto nero assorbe la luce e l’atmosfera e conferisce agli oggetti avvolti in essa una presenza spettrale senza tonalità e valori. Citazione di gesti di riduzione formale come nella minimal art e nell’arte concettuale, Unplayable (BPA// Raum) è anche una riflessione sul potenziale del metodo artistico di riferirsi in generale. Quando qualcosa diventa un’opera d’arte e che ruolo ha in questo il legame referenziale tra produzione di valore visivo ed economico? Queste considerazioni sulla traduzione, che sono anche caratteristiche della pratica di appropriazione di artisti contemporanei come Stephen Prina o Gaylen Gerber (qui, però, nel senso di un’incorporazione artistica del lavoro di altri artisti), si ripropongono in ogni contesto mutevole, ed è per questo che vengono citate anche nel titolo di ogni nuova versione della serie.

Mentre nelle opere più datate di Zaharijević la forma rotonda sotto forma di testa di cavolo, bottone Chesterfield o cupola di una chiesa evocava ancora l’effetto di un seducente spazio vuoto, le omissioni nelle opere più recenti, come la serie Modern Painting o Unplayable, sono il prodotto di un vocabolario ridotto di colore e di forma. Non è più la positività nel senso della costruzione di un vuoto, ma l’omissione deliberata, la non formulazione di un centro o di un punto focale a essere decisiva per la traduzione visiva. Questo è notevole anche perché il movimento negativo dell’astrazione rende ancora più chiaro che ciò che a volte raggiunge lo status di autoevidente non è di per sé autoevidente. Il nero vellutato con i bordi verdi rappresenta davvero una custodia per occhiali da sole? Cos’è che rende la scala (in una variazione del titolo del famoso collage di Richard Hamilton) così diversa, così attraente? Attirando l’attenzione sulle condizioni in cui l’arte viene prodotta, Zaharijević si concentra meno su ciò che è e più su ciò che potrebbe essere, alienando così la percezione del quotidiano, del familiare. Così facendo, rende visibili i vuoti di una realtà in cui, come recita la regola classica del marxismo, il profitto può essere ricavato solo dal tempo di lavoro, iniquamente e ingiustamente retribuito, delle persone vive – un rapporto lavoro-valore che si applica anche e soprattutto all’oggetto artistico.

October 3, 2024